Le studio Aardman Animations s’est fait un nom et une réputation avec la série des courts-métrages Wallace & Groomit. Quand Chicken Run sort sur les écrans en 2000, c’est de loin le plus gros projet de ce studio qui s’est spécialisé dans l’animation image par image en utilisant la page à modeler pour façonner ses personnages. Aux petits films d’une vingtaine de minute succède un long-métrage de près d’une heure trente réalisé par Peter Lord et Nick Park. Chicken Run est ainsi nécessairement bien loin de l’ambiance des épisodes de Wallace & Groomit, mais ses concepteurs ont réussi à conserver l’esprit si particulier de leurs réalisations précédentes. Ce premier long-métrage est très drôle, une vraie réussite qui n’a pas pris une ride !

Chicken Run raconte l’histoire d’une basse-cour, mais pas de n’importe quelle basse-cour. La ferme Tweedy dans l’Angleterre des années 1950 ressemble plus à une prison qu’à une ferme paisible où les animaux vaquent joyeusement à leur occupation. Les poules sont enfermées dans un campement entouré de barbelés et elles doivent pondre tous les jours dans leurs petites cabanes en bois qui sont autant de baraquements. Elles mènent surtout une vie difficile, tyrannisées par le fermier et surtout la fermière, la terrifiante Mrs Tweedy qui ne regarde qu’une seule chose : le rendement. Si une poule ne produit pas assez, elle est immédiatement exécutée et sert de repas le soir même. À partir de cette situation de départ parfaitement résumée pendant ses premières minutes, Chicken Run déroule un scénario de film d’évasion. Avec La Grande Évasion dans le viseur, Peter Lord et Nick Park ont mis au point un scénario rythmé autour d’une poule qui a décidé de tout mettre en œuvre pour sortir. Ginger n’est pas comme les autres poules, elle ne se résigne pas à finir dans cette prison et espère sortir à tout prix, pour découvrir ce qu’il y a derrière la colonne qu’elle aperçoit à travers les grillages. Sortir n’est pourtant pas facile, comme le montre cette hilarante série de tentatives infructueuses qui ouvre le film. Cette séquence permet aussi d’apprivoiser le style si particulier du studio. L’utilisation de la pâte à modeler donne aux personnages, tandis que les décors réels ajoutent une épaisseur bien éloignée de bon nombre de films d’animation numériques. On ne cherche pas le réalisme ici et ce n’est pas plus mal…

D’emblée, Chicken Run donne le ton : c’est drôle, très drôle même, mais c’est surtout imaginé comme si Ginger n’était pas une poule. Le procédé est classique dans l’animation, mais il a rarement été aussi bien mis en place que dans Chicken Run. Peter Lord et Nick Park mettent en scène des poules pour mieux parler de nous et cette basse-cour est logiquement une représentation imagée d’une prison, ou plutôt d’un camp de concentration. À cet égard, la machine infernale commandée par Mrs Tweedy et qui transforme une poule en tourte au poulet est évocatrice. Cette industrialisation qui débarque au milieu d’une campagne jusque-là largement traditionnelle évoque les travers de l’industrialisation, mais aussi des images de destruction que l’on a pu voir dans les camps mis en place pendant la Seconde Guerre mondiale. La présence dans Chicken Run d’un coq qui a connu la Première Guerre mondiale et la Royal Air Force apparaît également comme un rappel de ce contexte historique et ancre ce long-métrage dans une réalité historique bien sombre. Si Peter Lord et Nick Park visent les enfants avec ce premier film sorti au cinéma, ils parlent ainsi également à leurs parents qui verront autre chose qu’une histoire simplement amusante de poules qui construisent un avion pour sortir de leur enclos. Au fond, Chicken Run raconte une histoire terriblement humaine avec cette évasion menée par Ginger, une seule poule qui décide qu’une autre vie est possible et qui essaye de convaincre les autres poules, beaucoup moins actives. L’intrigue est enrichie par l’introduction d’un personnage supplémentaire, Rocky, un coq censé savoir voler et qui doit enseigner l’art de voler aux poules. Un personnage comique qui enrichit encore l’humour du film, mais un personnage aussi touchant dans Chicken Run qui parvient à ménager une place à une histoire d’amour qui, contre toute attente, fonctionne assez bien. Le film reste d’abord une comédie, mais la force des productions d’Aardman Animations est de ménager une certaine émotion et celle-ci ne fait pas exception.

Visant plus explicitement les plus jeunes que dans Les Pirates ! Bons à rien, la dernière production d’Aardman Animations réalisée par Peter Lord seul, Chicken Run réussit à trouver un difficile équilibre. Le long-métrage plait aux enfants qui s’amusent devant cette histoire d’évasion amusante et bien menée, mais aussi aux adultes qui trouveront des allusions autant à d’autres œuvres qu’à l’histoire. Peter Lord et Nick Park ont réussi avec Chicken Run à trouver le ton juste pour succéder à Wallace & Groomit, c’est peut-être même le meilleur long-métrage de leur studio. À voir et à revoir…

En 2010, le studio d’animation Dreamworks plutôt habitué à de sages blockbusters assez tranquilles créait la surprise avec Dragons, un long-métrage spectaculaire et vraiment drôle qui réunissait efficacement les enfants et leurs parents. Trois ans après, on retrouve Chris Sanders accompagné cette fois de Kirk DeMicco dans un nouveau film d’animation qui espère à nouveau réunir la famille. Avec cette surprenante idée de remake de la Famille Pierrafeux, Les Croods partaient pourtant assez mal, mais dès les premières minutes le charme opère. Ce nouveau film est drôle, très drôle, mais pas seulement : il offre aussi un dépaysement enchanteur dans un univers bariolé, tandis que les plus grands pourront se délecter de cette adolescente rebelle revisitée à la sauce platonicienne. Quoi qu’il en soit, Les Croods est une vraie réussite, à ne surtout pas rater !

L’allégorie de la caverne revue et corrigée : tel est en quelque sorte le programme assez loufoque sur le papier du nouveau film de Chris Sanders et Kirk DeMicco. Les Croods nous embarque dans un univers imaginaire qui s’apparente à une sorte de Préhistoire revisitée. Les Croods est un clan d’hommes préhistoriques qui vivent dans leur caverne et qui n’en sortent que tous les deux ou trois jours pour chasser, avant de s’enfermer à nouveau, en sécurité. Un mode de vie où l’homme est très mal placé dans la chaîne alimentaire et où il faut tout craindre pour survivre. Grug, le père de famille, ne cesse de le répéter : il faut toujours avoir peur de tout. Sa femme, sa belle-mère et deux de ses enfants acceptent ce message sans discuter, mais ce n’est pas le cas d’Eep, son autre fille qui, en pleine crise d’adolescence, aimerait donner un sens à sa vie. Elle ne comprend pas pourquoi il faut toujours se cacher et avoir peur, elle aimerait bien découvrir le monde et vivre au grand jour, au grand dam de son père qui essaie, en vain, de la raisonner. Les Croods bascule sans surprise le jour où elle sort sans l’autorisation de son père et qu’elle découvre Guy, un étrange garçon qui maîtrise le feu et ne se cache pas en permanence. Cette sortie de la caverne pour filer la métaphore platonicienne lui ouvre les yeux, mais c’est un évènement naturel et historique — le démantèlement de la Pangea pour former les cinq continents actuels — qui forcent le reste de la famille à suivre Eep et Guy hors de la caverne.

Après une première séquence dans la caverne, Chris Sanders et Kirk DeMicco emportent leurs spectateurs dans une découverte enchanteresse d’un univers haut en couleur qui n’est pas sans rappeler celui d’Avatar. Comme chez James Cameron, Les Croods étonne d’abord par son bestiaire composé de créatures toutes imaginaires, souvent créées à partir de plusieurs animaux réels. On trouve aussi des plantes de toutes les formes, des décors très différents, mais qui sont tous pleins de dangers et souvent envoutants. Comme dans L’Âge de glace 4 : La dérive des continents, le scénario joue constamment avec les tremblements de terre et autres éruptions pour forcer ses personnages dans une direction ou une autre. Les studios Dreamworks n’inventent rien de révolutionnaire, mais ils ont trouvé l’équilibre parfait pour composer un film très drôle qui plaira à tous les âges, des plus petits aux plus grands. Chris Sanders et Kirk DeMicco ont la bonne idée de maintenir pendant 1h30 un rythme constant et le film ne trahit aucune baisse de régime, les séquences drôles s’enchaînent avec, intercalées, quelques très beaux morceaux de grand spectacle. Le scénario est assez attendu et Les Croods tend inévitablement vers son happy-end, mais qu’importe. On ne prend pas tant du plaisir à découvrir une histoire assez classique dans ses grandes lignes, qu’un univers riche et réussi et surtout des personnages très bien écrits. On rit de bon cœur et Dremworks prouve qu’il n’a plus rien à prouver en matière d’écriture face à un Pixar qui semble au contraire se contenter de donner des suites à ses grands films. De même, Les Croods est techniquement parfait, avec un dessin légèrement accentué pour les personnages qui n’est pas sans rappeler Dragons. L’animation est fluide, la 3D bien utilisée, bref on ne trouvera rien à redire sur ces points.

Formé chez Disney où il a travaillé sur plusieurs scénarios de films cultes, dont Le Roi Lion, Aladdin ou encore La Belle et la Bête, Chris Sanders n’a pas perdu son sens du récit et c’est précisément ce qui permet à son dernier long-métrage de sortir du lot. Les Croods est un blockbuster familial qui n’a pas peur de tenter l’impertinence pour plaire aux adultes et c’est un film très drôle, parfaitement bien mené et pas aussi idiot qu’il ne pouvait laisser paraître. L’analogie avec la thèse platonicienne de la caverne est évidente, elle est universelle et résonne même dans cet invraisemblable univers préhistorique. Vraie réussite, Les Croods n’est pas le chef d’œuvre de l’année, mais c’est un divertissement réussi, à ne pas rater et à voir en famille !

Sorti en 2010, Moi, moche et méchant réussissait son pari en offrant une animation familiale, mais pas stupide et la dose d’originalité nécessaire grâce à ce personnage de méchant raté en guise de héros à contre-emploi. Trois ans plus tard, Chris Renaud et Pierre Coffin offrent à ce premier succès une suite, sobrement nommée Moi, moche et méchant 2. On y retrouve Gru, le fameux méchant qui ne parvient à effrayer personne, mais aussi les trois petites filles qu’il a adoptées et, bien évidemment, les milliers de Minions qui apportaient la touche comique supplémentaire. À l’écran, le pari est à nouveau réussi et ce nouvel opus est encore une fois un blockbuster familial réussi. S’il a perdu l’effet de surprise, Moi, moche et méchant 2 reste vraiment amusant et il n’est pas qu’une copie du premier opus.

Gru a abandonné ses ambitions pour devenir un super méchant. L’homme maladroit s’est rangé et il élève désormais dans son pavillon de banlieue les trois petites filles qu’il a finalement adoptées à la fin de l’épisode précédent. Il peut compter pour cela sur l’aide de Néfario, son assistant, mais aussi des Minions, ces créatures jaunes stupides, mais attachantes. Une vie sans intérêt en somme, que Moi, moche et méchant 2 va venir chambouler, on s’en doute bien. Chris Renaud et Pierre Coffin ne perdent pas de temps et introduisent leur scénario en quelques plans : une base secrète emportée par un inconnu, une agence secrète qui ne parvient pas à l’identifier et qui décide de faire appel à Gru pour ses connaissances sur les autres super méchants. D’abord opposé à l’idée, notre méchant devenu papa poule heureux, certes, mais qui s’ennuie un peu, accepte finalement la proposition et s’engage aux côtés de Lucy, espionne pour le compte de l’agence secrète. Ensemble, ils doivent trouver celui qui a volé le laboratoire et surtout le produit extrêmement dangereux qu’il contenait. Moi, moche et méchant 2 ne cherche pas à surprendre à tout prix avec ce scénario : on sait bien que rien ne passera comme prévu et de fait, rien ne se passe comme prévu. Pourtant, si leur scénario est prévisible, les deux réalisateurs ont réussi à renouveler l’intérêt du film et on ne s’ennuie jamais pendant le film, tandis que l’intrigue réserve suffisamment de (petites) surprises pour maintenir un intérêt intact du début à la fin. En d’autres termes, ce n’est pas très novateur, certes, mais c’est bien fait et on rigole de bon cœur.

L’humour en effet est toujours au cœur de cette suite. Les Minions prennent de l’importance et, comme Scrat dans L’Âge de Glace, ils occupent souvent la première place dans Moi, moche et méchant 2. Chris Renaud et Pierre Coffin ont toutefois su utiliser convenablement leurs petits personnages jaunes qui ne sont pas que des créatures stupides, mais qui ont désormais de vraies personnalités. Ils sont en tout cas toujours aussi drôles et amuseront autant les enfants qui n’y verront que des créatures « trop mignonnes » que les adultes qui s’amuseront à noter toutes les références qui passent par eux. Le premier opus était resté assez discret sur ce plan, mais la suite multiplie les clins d’œil à d’autres univers, le plus évident étant bien sûr la saga James Bond. Évoquée dès l’affiche (« L’espion qui l’aimait », une référence explicite à L’espion qui m’aimait), ces citations sont sensibles surtout au début : personnages et gadgets — la voiture qui se transforme en sous-marin, comme dans cet épisode des aventures de l’agent 007 —, mais aussi musique… tout est inspiré très directement par l’univers de cette saga. Moi, moche et méchant 2 ne se contente pas d’être une version alternative et parodique des films du plus célèbre espion cependant. Le film trouve vite sa propre voie et il faut reconnaître que les scénaristes s’en sont donnés à cœur joie, avec une histoire réussie et qui trouve un bel équilibre entre l’action et l’intimité. Autre nouveauté de cette suite, Pierre Coffin et Chris Renaud font tomber leur personnage principal amoureux de Lucie, l’agent avec laquelle il doit travailler. Loin du cliché que l’on pouvait craindre, leur relation est assez belle et même touchante, une surprise dans un tel film.

Moi, moche et méchant 2 n’est pas le chef-d’œuvre qui vient bousculer le paysage de l’animation, c’est un fait. Ce n’est pas non plus l’ambition de cette suite qui parvient encore à faire rire en évitant le sentiment de redite. Chris Renaud et Pierre Coffin ont su construire une belle suite, toujours très drôle, spectaculaire quand il faut, menée par une très bonne bande originale et aussi touchante par moment. Les Minions prennent plus de place, certes, mais ce n’est pas au détriment du reste et il faut avouer que ces bestioles jaunes sont une vraie réussite. Techniquement au point, Moi, moche et méchant 2 est un pari gagnant pour ses deux réalisateurs, et un excellent conseil pour une séance en famille.

À l’origine, Ernest et Célestine est une série de livres illustrés pour les enfants. Cette amitié entre une souris et un ours a motivé un trio de réalisateurs pour le porter dans les salles de cinéma avec un film d’animation. Il aurait été facile de passer à côté de la finesse du style de Gabrielle Vincent et d’en faire un récit lourdaud, mais Benjamin Renner, Vincent Patar et Stéphane Aubier ont su respecter l’esprit de l’œuvre originale. Ernest et Célestine, c’est un concentré de bonne humeur, un style graphique similaire à celui des livres et surtout un récit toujours charmant, mais qui ne s’adresse pas aux enfants comme à des débiles. Un excellent film, à ne rater sous aucun prétexte.

Célestine est une souris, elle vit donc sous la terre et on lui apprend dès son plus jeune âge qu’il faut craindre absolument le grand méchant ours. Tous les autres enfants souris de son âge sont terrorisés à la simple évocation de ce mot, mais pas Célestine qui ne comprend pas pourquoi tous les ours devraient nécessairement être méchants. Au-dessus de la surface, Ernest un ours en marge de la société des ours : loin de la ville, il vit dans une cabane miteuse et il joue tous les jours de la musique pour gagner sa vie. Comme son titre l’indique d’emblée, Ernest et Célestine va rapprocher ces deux personnages que tout devrait opposer. Envoyée chercher les dents laissées par les oursons, Célestine finit dans une poubelle qui est fouillée au petit matin par Ernest, en quête de nourriture. Les deux se découvrent et apprennent à se connaître : l’ours pense d’abord à manger la souris, mais cette dernière ne prend pas peur et lui propose une alternative. Peu à peu, ils finissent par s’apprécier et ceux qui devaient être ennemis, se rassemblent dans l’amitié. Sans le dire ainsi, Benjamin Renner, Vincent Patar et Stéphane Aubier filment évidemment une histoire d’amour assez classique, en l’occurrence un amour impossible. Tels Roméo et Juliette, Ernest et Célestine appartiennent à deux clans que tout oppose : les souterrains aux uns, la ville en surface aux autres et de part et d’autre, une haine appuyée pour ceux qui sont si différents. La fin est attendue, mais elle importe assez peu : le récit d’Ernest et Célestine est suffisamment riche et touchant pour que le chemin soit ici aussi plus important que la destination.

Loin des récits niais que l’on impose trop souvent aux enfants, Ernest et Célestine est une sublime fable politique sur la différence et surtout sur l’acceptation de la différence. Benjamin Renner, Vincent Patar et Stéphane Aubier mettent en image deux mondes que tout oppose… parce que c’est ainsi. Le film montre très bien que la peur des souris pour les ours, et des ours pour les souris n’est pas fondée sur des arguments recevables, mais uniquement sur des clichés. D’un côté on a peur des ours qui ont la réputation de manger toutes les souris sans distinction ; de l’autre on a peur de ces souris qui sont réputées se multiplier et venir tout vous prendre. Certes, Ernest et Célestine emploie deux exceptions pour démonter ces arguments, mais le scénario n’est absolument pas bêta, bien au contraire même. Il avance avec la même finesse que les dessins peints à l’aquarelle pour montrer que oui, un ours et une souris peuvent très bien cohabiter. Ce n’est absolument pas simple, encore moins évident et le travail de ce dessin animé sur les animaux est à cet égard remarquable. Puisqu’ils parlent et se comportent comme des humains, les bêtes sont humanisées, mais elles ne sont pas dépourvues de leur caractère animal. Ernest utilise son nez et son museau pour chercher de la nourriture, quand Célestine se déplace à quatre pattes, par exemple. Cette façon de marier animalité et humanité est remarquable et elle traduit bien la méthode de Benjamin Renner, Vincent Patar et Stéphane Aubier : leur long-métrage s’adresse aux enfants, mais avec intelligents et le résultat est là. Ernest et Célestine sera tout autant apprécié des parents — qui reconnaîtront avec plaisir la voix de Lambert Wilson derrière Ernest ou celle de Pauline Brunner derrière Célestine —, mais on peut parier que les enfants, même jeunes, seront aux anges. C’est un petit bijou d’animation, tant sur le plan technique que sur l’histoire, une belle prouesse qui le distingue des productions internationales.

Ernest et Célestine a été récompensé d’un César et ce n’est absolument pas usurpé : Benjamin Renner, Vincent Patar et Stéphane Aubier ont indéniablement fait du beau travail sur ce film fin et extrêmement touchant. C’est beau à regarder, c’est aussi une belle histoire, mais en aucun cas ce n’est un film qui prend les plus jeunes pour moins intelligents qu’ils ne sont. Que vous ayez des enfants ou non, Ernest et Célestine est incontestablement un film à voir…

Pixar s’est fait connaître en donnant la vie à des jouets plus vrais que nature et c’est pendant la réalisation de Toy Story que l’idée de s’attaquer ensuite à des monstres est venue. Pour son quatrième long-métrage, le studio s’attaque enfin à cette idée en optant, comme toujours, pour un regard décalé. De fait, Monstres & Cie ne se déroule pas du tout comme on pouvait s’y attendre, puisque le film tout entier est construit sur une inversion entre monstres et humains. Ici, ce sont les monstres qui sont la norme : ils vivent dans leur propre monde et craignent plus que tout les humains qui sont toutefois nécessaires à leur survie. Une idée toute simple, mais qui s’avère géniale, comme on peut rapidement le réaliser en regardant le long-métrage de Pete Docter. Monstres & Cie a peut-être vieilli techniquement, mais il n’a pas pris une ride en matière de scénario ou de mise en scène et c’est l’un des meilleurs Pixar et un excellent film d’animation, tout simplement.

Les monstres au cinéma, ce n’est pas nouveau et Walt Disney qui produit Monstres & Cie les a exploités à plusieurs reprises dans ses films. Sauf que cette fois, ce sont eux les gentils : Pixar a l’idée assez brillante de construire son quatrième long-métrage sur une inversion entre les humains et les monstres. La normalité est du côté de la monstruosité, tandis que les humains sont considérés comme des êtres extrêmement dangereux qu’il faut éviter à tout prix. La première partie du film consiste ainsi à découvrir cette inversion très surprenante et la première scène résume bien cet esprit. Pete Docter filme une scène banale, une mère qui couche son fils, le garçon qui s’endort quand… la porte de sa chambre s’ouvre. C’est un monstre qui entre, manifestement pour effrayer le petit, mais la grosse créature, ses dents aiguisées et ses énormes pics sur le dos, s’enfuit, effrayée. On découvre alors qu’il s’agissait d’un simulateur dans l’usine de l’entreprise Monstres & Cie : dans cet univers où les monstres vivent en parallèle du monde des humains, l’énergie nécessaire est fournie par les cris des enfants. Les monstres ont créé des portes magiques qui ouvrent des portails sur les chambres des enfants ; ils entrent dans les chambres, effraient les enfants et collectent alors leurs cris pour alimenter Monstropolis en énergie. Comme toujours chez Pixar, tout le film se construit autour de cette idée aussi simple que géniale et qui offre à Monstres & Cie toute l’originalité nécessaire. Pete Docter et ses équipes s’amusent à imaginer les monstres les plus improbables et surtout les plus différents possible pour constituer un univers réaliste, bien que totalement farfelu. Il y a des monstres poilus, des petits gluants, il y a la standardiste cyclope avec des serpents en guise de cheveux, il y a le patron de l’usine avec yeux et des pattes de crabe… et il y a encore des dizaines et des dizaines de monstres différents. Une variété extrême qui fait la richesse de Monstres & Cie et qui participe à en faire une comédie souvent très drôle.

Autre point fort de ce Monstres & Cie, comme des meilleurs Pixar, le mélange des genres plutôt que le pari sur l’humour seul. Dans ce quatrième long-métrage, on suit deux monstres en particulier : il y a d’abord Sully, un grand monstre poilu qui est la meilleure Terreur de toute l’entreprise, c’est-à-dire celui qui fait le plus peur aux enfants et récolte ainsi le plus de cris. C’est une véritable star dans le film et il est toujours accompagné de Bob, une petite boule verte avec un seul gros œil et qui est tout le contraire de son ami. Ensemble, ils forment un duo de choc, même s’ils sont très différents et Pete Docter exploite cette différence dans un premier temps pour faire rire. Monstres & Cie n’est pas qu’une comédie légère toutefois et la gravité, puis l’émotion, surviennent rapidement. L’intrigue se concentre autour d’une petite fille prise d’affection pour Sully et qui entre dans l’univers des monstres. Une catastrophe en théorie pour eux, les enfants étant censés être particulièrement toxiques, mais on découvre vite en même temps que les personnages principaux que ce n’est pas le cas. De fait, la petite fille est immédiatement séduite par le monstre poilu qu’elle appelle d’ailleurs « Minou », et le terrible Sully finit par l’apprécier au point de ne plus vouloir la quitter. Qu’importe les enjeux dramatiques autour de cette histoire, ils sont finalement plutôt secondaires — quoique jouissifs —, le récit se construit d’abord autour de la relation qui naît entre ces deux personnages. Une très belle relation sur une base impossible, mais qui se crée sans tenir compte des interdits et qui devient aussi fort qu’une relation entre une fille et son père. Pete Docter ne manque pas d’ailleurs de broder autour de ce thème de la filiation et il touche juste : Monstres & Cie n’est pas qu’une comédie, c’est aussi un très beau film, émouvant et touchant, ce qui est beaucoup plus difficile à obtenir que de faire rire. Une belle réussite pour Pixar que les années ne touchent pas : on est toujours autant marqué par cette histoire aujourd’hui. La technique numérique a, elle, évolué et même si le travail accompli reste impressionnant pour un film sorti en 2002, on voit aujourd’hui les traces des années. Rien de grave cela dit, précisément parce que la technique s’efface totalement derrière le récit…

Monstres & Cie est une réussite incontestable. L’idée d’inverser le monde des humains et celui des monstres était excellente, encore fallait-il en faire quelque chose d’intéressant. Pixar trouve précisément le ton juste avec son récit de ces deux monstres qui tombent amoureux d’une petite fille fragile et dénuée de tout préjugé. C’est drôle, c’est émouvant, bref c’est totalement réussi. Pete Docter frappe fort pour le quatrième long-métrage du studio Pixar, déjà au sommet avec ce Monstres & Cie à voir et à revoir !